Afterimage of Monochrome 「モノクロームの残像」








Op.18#   2018  53cm×45.5cm



Op.25#  2018  45.5cm×53cm








Op.23  2018  33.3cm×24cm




Op.24   2018  33.3cm×24cm









Op.26#  2018  24cm×33.3cm








Op.16#   2018 33cm×45.5cm






Op.22 2018   32cm×41cm








Op.15#  2018   60.6cm×50cm







Op.27# 2018   45.5cm×33.3cm







Op.19  2018   32cm×41cm







Op.11   2017-2018  73cm×53cm







Op.3   2016-2018  65cm×53cm








Op.13#  2018   73cm×60.6cm








Op.9 2016   60.6cm×73cm









Op.29#  2018-2019  91cm×73cm






Op.28#  2018-2019  91cm×73cm








Op.21  2018  162cm×130cm






Op.20   2018-2019  162cm×130cm






Op.1   2016  45.5cm×53cm




Op.5   2016  33cm×45.5cm



Production materials
制作素材

Japanese paper on cotton
#Japanese paper on canvas

基底材   綿カンヴァスに和紙 アクリル下地    
#カンヴァスに和紙 アクリル下地

Original paint (made from resin, oil and beeswax),Oil, Acryl
絵の具   オリジナル絵の具(天然樹脂、油、蜜蝋)、油彩



Comments by a Painter

                              
What exactly is it about a picture that moves us?
In our modern age, is it actually possible for a painting to touch us so deeply that it makes us shiver? Or do paintings produce no real effect?
That s how it sometimes seems to me.
Maybe it should be embarrassing to me as a painter that I try to discover something in this wordless, non-narrative art form. And yet, I cannot stop painting.

I think a painter is like an eye witness, or a kind of midwife at the birth of the work: he is there, but he is not the mother. For a long time now I ve had the feeling that I have lost subjective awareness as a man who produces something.
My pictures come about by themselves, as it were, according to certain laws. Perhaps they appear naturally. Or perhaps they do both.

My desire is to paint the completely normal, the banal. An ivy tendril with dry leaves, swaying in the wind; a tower of layered clouds, the murmur of swirling water… if something happens on the canvas the picture materialises.
But I experience this very special moment only very rarely.

The works have specific themes: calligraphic lines, the harmony of ink painting, tensegrity structures, shapes that emerge when part of a ball is extracted, turned inside out and spread out on the ground. While themes like this do actually exist, their role is merely to provide a first impulse.

When a picture has come into being how will it be seen by others? The sense of the aesthetic is highly individual. And sometimes a picture really can stimulate a particular feeling in a person s heart.

So what do paintings mean for society? When a painter creates a picture and shows it in public it enters into a relationship with society and it is through this contact with society that the picture is also given meaning. At least that s how an elderly lady in Vienna once explained it to me.

I wish to be a kind of catalyst for society in which I and the others are engaged in a process of constant and reciprocal change. At least I may be able to become such a catalyst.

Nobutaka Ueda


artmark garelie, Wien

ある画家のコメント ―― ウィーンのグループ展のためのフライヤーから


絵画に感動するとは、一体どのようなことなのだろうか。現在では、人は絵画に打ち震えるほど感動するということがありうるのだろうか。絵画は無力なのではないか。そのような疑念に捕われることがある。黙して語らぬ芸術の中に何かを探そうとすることは、画家として、恥ずべきことかもしれない。だか、自分は絵画を描くことを断念はしていない。
画家は、作品の誕生に遭遇する目撃者であり産婆でもありうると思うけれど、けっして母親ではないと自分は思う。私は既に制作者という主体的な意識を失って久しい。絵画は、ある法則によって成り立つとも言えるし、自然に出来上がるとも言える。あるいは、その両方であるかもしれない。自分は何でもないものを描きたい。風に揺れる蔦の枯葉、折り重なる雲塊、渦を巻く水の囁き。画面の上である何事かが起こる時、絵画は成立する。そういった特別な瞬間が稀に訪れるのである。今回の展覧会に出品された作品は、2003年から2007年頃制作していた作品と2016年から最近まで制作されたていた二つのグループに分けることが出来る。カリグラフィーのような線、墨絵のような諧調、テンセグリティー(Tensegrity)のような構造、球面を一部切り開いて靴下のように反転させて生ずるような形態、その折々にテーマはあったのだが、それは一つの契機としての役割を持っていたに過ぎない。
絵画が成立したとして、それをどのように他者は見るのだろうか。美的感動そのものは個人的なものである。人々の心の中になにかしらの感情を生み出すことができる場合がある。それでは、絵画とは社会にとって何なのだろうか。絵画を発表することによって社会と関係を持ち、社会を通過することによって、それは意味を持つのだと教えてくれたのはウィーンのある老婦人だった。自己と他者が相互に変化し続ける状態、そのような社会に対する何かしらの触媒となることができればよいと思う。それなら可能であるかもしれないのだが。

2017年5月







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